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    Graça Martins afirma:"O exercício da pintura nos dias que correm já só interessa se o resultado final exceder a própria pintura".Esta frase modelar – em que o trabalho apresentado nesta exposição claramente se revê, apesar da simples aparência de superfície pintada – rejeita a ideia de que a pintura evolui em circuito fechado, voltada para dentro e enredada nas suas preocupações mais específicas. Daí a actualidade do trabalho agora apresentado que consiste, tanto numa declaração estética – de que a pintora não abdica nunca – quanto numa investigação sobre padrões de vida e paradigmas sociais e culturais, trabalho que encontra, no contexto internacional, idênticas pesquisas desenvolvidas, especialmente, desde os anos 80. Uma intensa produção de cunho feminista procurou trazer à superfície do discurso académico ou de vulgarização jornalística, os contributos sucessivos das mulheres nos domínios da criação artística, da crítica de arte e dos ensaios de história da arte, revalorizando a sua presença mas, acima de tudo, questionando a sua ausência.
    A obra de Graça Martins dá visibilidade aos fenómenos da feminilidade, não de um ponto de vista da diferença absoluta – impondo o biomorfismo exclusivo do feminino, peças viscerais e orgânicas, quase iconoclastas, por não admitirem imagens da mulher habitualmente aceites; nem de um ponto de vista de anulação dessa diferença – sugerindo que nada há na mulher que verdadeiramente a distinga do homem (o que leva a caricaturas ridículas); mas de um ponto de vista complexo que visa analisar como se atingiu, e como se mantém, um arquétipo de feminino absolutamente artificial e que só perversamente se diz decorrer da “natureza”. Ou seja, a sua obra visa debater como se ofuscou qualquer alternativa a esta receita. Sendo certo que – será necessário repeti-lo? – dentro dos conceitos mais divulgados está o que assimila masculinidade/humanidade e feminilidade/materialidade carnal. E tomando como certo – será necessário repeti-lo? – que a biologia determina o sexo mas a cultura determina o género.
    O seu trabalho prefere as figurações aparentemente soft e inofensivas, onde a face do feminino se adequa, em grande parte, à imagética socialmente normalizada. A sua representação visual do mundo urbano feminino engloba a representação social desse mundo, particularmente das adolescentes como indicia o título “Urban Teenagers”, motor desta problemática.
    É agora necessário fecharmos um pouco mais o plano aproximando-nos do que realmente interessa abordar, as telas elaboradas no decurso dos últimos anos. O termo, de ressonância cinematográfica, é pertinente porque Graça Martins prefere os grandes planos, através dos quais se corresponde com áreas que muito lhe interessam, as do cinema, da publicidade e da moda, de onde importa modelos, poses, atitudes divulgadas até à exaustão, como vulgata de sedução e sucesso, de vergonha e fracasso. A apropriação de imagens de uma cultura visual abrangente, erudita ou popular, permite discutir o alcance formador e formatador dessa vulgata. Para lá do efeito de pose, outras peças estão elaboradas em torno do tópico da comunicação ou da impossibilidade dela, num mundo repressor – casos de “Silence” ou de “Don’t Speak” em que o sinal silenciador do mundo feminino é declarado; casos de “Don’t forget me” ou “The Key” em que o apelo à comunicação vem sob a forma simbólica de um maço de cartas e uma moldura de chaves, respectivamente.
    A importância que o olhar, fonte de diálogo e de sedução, adquire em número significativo de obras, converte-o num dos principais veículos de comunicação de toda a exposição, cujo paradigma pode ser a obra “The Look”, mas de que há vestígios em muitas outras. Se o olhar tem categoria de símbolo neste projecto de Graça Martins, a pintora não esqueceu outros elementos utilizados de forma icónica: a romã, as botas ou os sapatos constituem outros tantos factores de comunicação associados a contextos e conceitos que pertencem às histórias infantis e aos livros de leitura, onde se encontram também “As Tarefas” educacionalmente pré-definidas como masculinas ou femininas.
    Coerentemente com a ideia de uma feminilidade construída, Graça Martins integra no seu trabalho, por vezes através da colagem, um conjunto de marcas memoriais, elementos de recordação, fotografias, figurinhas dos manuais escolares, rótulos dos discos antigos, flores abertas a meio caminho entre o desabrochar e a morte, marcas de um papel social longamente sedimentado.
    Na obra de Graça Martins, que a própria admite ser de qualidade aquática, de transparência luminosa, de figuração virtuosa, de suavidade táctil, na sua obra – com todas as características que acabam de lhe ser reconhecidas – não há, afinal, qualquer transparência.
    A sedução que conscientemente explora é uma mera estratégia de caça, um rito propiciatório que atrai o observador desprevenido e o obriga a reflectir, a perceber o que está debaixo da pele, a despertar essa beleza adormecida, a procurar o que é anterior e posterior a uma existência no feminino.

"(...) Fascinada pela figura humana, Graça Martins reabilita a tradição de uma linguagem pictórica a preto e branco estimando o ser vivo de maneira imensamente pura. Isto é nítido nestes desenhos. (...) As personagens revestem-se de grande importância e por isso fragmenta-as, para que cada uma das suas partes possa vir a ser bem absorvida.(...)
O atraente nesta obra é que tudo parece justapor-se e, ao mesmo tempo, afastar-se. Cada figura tem a sua linguagem própria e a sua própria autonomia, embora reajam sempre em função do conjunto, possuindo cada imagem uma verdadeira intenção independente de qualquer outra, porque cada uma tem de de entrar em comunicação com o porquê do desenho."

"Nestes desenhos há o rigor de uma técnica elaborada até ao limite e o desvio de uma ideia. A fragmentação dos corpos, o veneno da luz que atinge um rosto, o olhar confundindo-se com o negro pó da grafite ou ainda a sombra que anoitece nos cabelos evocam a ambiguidade do discurso. Aproximando-se do real, a modernidade destes desenhos é a sua individuação - uma trajectória singular traçada desde o primeiro momento. A "área cromática"do cinza é neles plenamente explorada com a sensibilidade de quem sabe o que é a massa poderosa de um corpo.
O despojamento, a beleza, a sensualidade na sua extrema depuração ocupam o espaço do desenho deixando, no entanto, intacta a sua pureza. A envolvência dos sentidos é ritualizada, construída em volta de uma cena única.

"(...) Erotismo e intimismo são expressões que cruzadamente percorrem esta exposição cuja dimensão erótica suscita legítimas referências ao decadentismo romântico e freudeano de grandes vienenses do princípio do século, como Klimt, Kubin ou Egon Schiele. Também tangencialmente nos pode trazer lembranças das inquietações lúbricas de Balthus ou o sadismo das bonecas de Hans Bellmar. (...)"

Qualquer texto com referências biográficas começaria por dizer que Graça Martins nasceu em 1952, mas o ano em que nasceu e a consequente idade não parecem influenciar o trabalho da artista, na medida em que não reflectem um envelhecimento enquanto pessoa. A base do trabalho desta artista plástica é a sua capacidade de olhar para o que a rodeia e de se conseguir identificar em tudo isso. Posto isto, não é de estranhar que, as raparigas que pinta, retratando ao mesmo tempo as realidades urbanas contemporâneas, não sendo auto-retratos, não perdem a evidente carga autobiográfica.
Se quisermos dividir o seu trabalho em fases, de forma a traçar uma evolução, podemos dizer que, primeiramente, havia um primado do desenho que acabava por proporcionar uma abundância de pormenores e um perfeccionismo obsessivo ( não no sentido pejorativo). Aqui se inserem, por exemplo, as suas características figuras em pijama, onde a cabeça é eliminada, de forma a concentrar a atenção do espectador na expressão das riscas e das curvas dos tecidos. Iriam ser precisamente estes desenhos, a grafite, que dariam a Graça Martins o 1º Prémio do Bicentenário da Invenção do Lápis, concorrendo com cerca de 700 candidatos. E não ao acaso. A astúcia com que domina a técnica vem de facto mostrar que só podemos estar perante uma postura artística prodigiosa.

Mas, há algo de comum em todos os trabalhos da colecção, seja qual for a sua temática: a sensibilidade com que são abordados. O erotismo em cada uma das telas, simbologias e sentimentos que o corpo e a sua expressividade nos mostram, mesmo nos rostos encobertos:("The Nigth Of Cinderella", "Enquanto Não Se Esquece O Passado"), em cada seio que se revela quase involuntariamente ("Sleeping Beauty"), em cada abraço ("Urban Teenagers"), na solidão ou companhia de cada uma ("Lolitas"). São meninas resignadas, emancipadas, desorientadas ou conscientes, acordadas ou adormecidas. A isto pode-se chamar , sem perigo, poesia visual.